Entender el teatro como un arte-ciencia, es entender que la ciencia en el teatro es todo el barrido histórico sobre las experiencias de artistas de la escena que lograron probar eso que la Poética de Aristóteles buscaba como la elevación espiritual del arte y que estaba ligado a lo mimético; a la verosimilitud, a la verdad en la escena. Desde hace 21 siglos se busca lo mismo en el arte escénico; la búsqueda nunca termina y reinicia en cada momento que un artista piensa en escenificar un drama.
Eurípides creó para adorar, Shakespeare creó para soñar, Moliere creó para reír, Brecht creó para reflexionar, Stanislavski creó para creer, Strasberg creó para mover, Barba creó para ser y así muchos de los más destacados artistas de la escena buscaron en el teatro presentar lo que para el mundo son sus pensamientos y sus ideas emocionales y racionales.
LA DIRECCIÓN
La evolución del arte del actor y la palabra fue precisamente dejar de ser el arte del actor y la palabra y convertirse en el arte del director, el actor y la palabra. Esa evolución está ligada a lo que conocemos como primitivo, el teatro sigue siendo vehículo para la expresión del ser; sigue siendo el arte colectivo por excelencia, sólo que ahora se percibe la mirada de uno solo; solamente uno transmite una idea para ilusionar.
Partir de que el hombre necesita vivir idealizado es asumir que las artes existen porque el público expectante espera ser ilusionado y transportado a mundos en donde él tenga regocijo para su espíritu y su mente como asume en su teoría Konrad Von Lange; es el goce estético.
La ilusión en una etapa primera del teatro estaba relacionada con las ideas espirituales del hombre que le otorgaban la exaltación; en otros momentos ha estado ligada a la belleza de la palabra y sus formas más elevadas; o en consideración a los problemas del hombre y la sociedad; pero en el presente esa ilusión está ligada a las sensaciones, a la conquista de unos ojos que son impactados por millones de imágenes por segundo y que utilizan la espectacularidad de sus formas para lograr enviar contenidos.
La aparición de la dirección como carrera artística es paralela a la aparición del cine como invento científico en la historia. El desarrollo del cine y de la dirección entonces tuvo el mismo grado de evolución y no se podría desconocer la idea de que la dirección surge como una necesidad de enfrentarse a la revolución tecnológica de las artes.
Brecht y Stanislavski, teóricos importantes del arte escénico que han hecho que sus escritos influencien a la gran mayoría de artistas de occidente con sus postulados e investigaciones que se maduraron en un mundo en crisis y en el marco de la tecnificación; abordan el tema de la dirección desde puntos de vista muy similares en su forma; pero tan diferentes en su contenido.
La versión brechstiana
Arreglo narrativo entonces presupone un ordenamiento de los recursos de los cuales se puede valer un director para expresar su idea al respecto de un texto en específico; estos recursos incluyen a los actores, el atrezo, las luces, el sonido. La simultaneidad sonora exige un pensamiento por dos vías pues lo que importa es la reflexión que queda de lo que se ve; ya que lo que se vive es teatro y se es conciente de eso de principio a fin. Brecht desarrolla dentro de su concepto de dirección en el Ensable Berliner este proceso llamado "Arreglo narrativo" que tenía directa relación con lo que él tenía que "hacer" en los ensayos y la forma como le iba a presentar sus cuadros teatrales al público. Si Brecht no hubiese investigado y no hubiese tenido nada que decir, de seguro que no encuentra este concepto en su vida artística.
Stanislavski habla
Por otro lado se encuentra el llamado "Diseño de Movimiento"; que es la forma como Stanislavsky asumía su trabajo en escena; para el director del Teatro de Arte de Moscú el trabajo como director estaba relacionado también con la organización y planeación de los recursos disponibles para la escenificación; pero no con el concepto de emitir una reflexión sobre su pensamiento; sino para lograr encontrar la idea general del autor en la pieza dramática a representar. Este conjunto de movimientos en el escenario era diseñado por Constantin para encontrar no sólo su conexión con el dramaturgo, sino la espectacularidad de los cuadros teatrales. El concepto de ilusión ha cambiado.
El Arreglo Narrativo o Diseño de Movimiento es un momento del plan maestro de cualquier director ya sea en el cine o en el teatro y vincula a todo el equipo creativo y técnico con el cual se trabaje; el objetivo es brindar un momento de ilusión al público ya sea para la reflexión, la emoción, la diversión; pero si es definitivo que todo director debe saber qué respuesta quiere obtener del público; el equipo de trabajo en colaboración con el director deben entender cuál es el plan del arreglo o del diseño que se haga sobre la obra.
¿Cuáles son las necesidades del arreglo narrativo o diseño de movimiento de una obra?, es la pregunta que debe contestar cualquier artista que colabore para lograr completar el rompecabezas de la puesta en escena. Desconocer que debe existir un arreglo o un diseño previo es desconocer que existe el arte-ciencia y desconocer ésto sería entonces desconocer la misma historia del teatro.
Mauricio Suárez S
Director Artístico Compañía
*En la foto el elenco de la obra de teatro callejero de Teatro vivo "Los Tres Caídos" presentada en el marco del Festival Internacional de Arte de Cali 2007
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